Stages vacances

Horaires : 10h-13h / 14h-17h
Lieu : Site de Perrache
Publics : tous niveaux à partir de 12 ans
Participant-e-s maximum : 8
Etienneborgo.space-blogs.com

Matériel à apporter :

• un cahier de brouillon ou croquis minimum 10 pages
• un ou plusieurs crayons h, hb, 2b.
• gomme et taille crayon
• couteau sans dents aiguisé, type opinel ou petit couteau de table.
• une râpe (l’école en aura quelques-unes à disposition).
• l’école prêtera les rifloirs (petites rappes courbe pour sculpter) et une râpe pour celles et ceux qui n’en ont pas.
• l’école fournira de la terre pour la maquette
• l’école fournira un bloc de stéatite de 10 à 20 cm de hauteur, que l’élève remportera, une fois sa pièce sculptée.

Sur les traces de François Pompon

Technique de taille directe, par usure avec des râpes et des rifloirs.
Comme support pédagogique le thème animalier : singe, lion, chèvre, cheval… Pour les plus avancés, et chat, tortue, chouette, scarabée…
Pour des formes plus simples à réaliser.
L’élève choisi l’animal qu’il veut réaliser.  
La matière à sculpter, est la stéatite dite “pierre à savon”, dont on tire le talc. C’est une des roches les plus tendre, elle est utilisée en sculpture dès le paléolithique avec notamment la série des vénus de grimaldi découvertes à blazi rossi (italie) qui datent de gravettien (25 000 ans avant notre histoire).

Jour 1

Présentation des élèves et de l’intervenant. L’élève choisi une figure d’animal qu’il-elle va travailler durant trois jours. L’élève réalisera quelques croquis de son animal d’après photographie, puis préparation de sa maquette en argile à l’échelle 1.
En début d’après-midi, les élèves commencent à dégrossir leurs pierres en y réalisant des facettes qui pourront recevoir le dessin préparatoire.

Jour 2

Dessin de l’animal sur les pierres dégrossies et l’on commence la sculpture.
Des temps de pause sont prévus où l’on continue les croquis sur le cahier de brouillon, afin de bien appréhender les formes.

Jour 3

Chacun à son rythme, les élèves continuent leurs sculptures. Puis l’élève polit sa sculpture.
Celles et ceux qui ne désirent pas polir peuvent tailler une deuxième petite pièce dans une chute, un petit scarabée par exemple, rapidement réalisable en une ou deux heures.
La dernière demi-heure est prévue pour un bilan et une exposition collective dans l’atelier.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 12

Matériel à apporter :

• Tous types de crayons feutres que vous possédez et de toutes les couleurs : feutres fin et médium (ex : « paper mate »), feutres pinceaux, feutres alcool, feutres markers, feutres « stabylo » (ex : gris colorés pour les ombres)
• Stylo à bille idem de toutes les couleurs…
• Pastels secs (bâtonnets section carrée)
• Crayons de couleurs tous types (aquarellable  ou non…)
• Peinture acrylique 3 primaires + noir et blanc + outremer, vermillon et jaune cadmium.
• Couteaux et pinceaux (ronds et plats)
• Crayons à papier, mine de plomb…
• 1 taille crayon uniquement et pas de gomme !
• Tous types de papier 80 gr et format a3 minimum  (ramettes papier blanc conseillée)
• 1 carnet a3 papier léger (pour croquis) et 1 carnet a3 papier spécial multi- techniques (pour peinture)
• 5 feuilles noires ingres 80 gr format raisin et 5 feuilles blanches canson120gr format raisin
• Pinces à dessin et un chiffon

Modèle vivant et repentir

Un repentir qu’est-ce que c’est ?
C’est un peu comme dans la vie: une erreur est un regret qui laisse une trace. On s’est trompé, on ne peut pas effacer mais on peut faire autrement : reprendre là où on s’est trompé, c’est une façon de corriger l’erreur et en quelque sorte, d’y ajouter de la valeur.
Ainsi dans une pratique régulière de l’étude du modèle vivant, les repentirs sont autant de chance pour personnaliser son dessin. Lui donner dynamisme, fluidité, relief, mouvement, densité et force à dessein !
On peut aussi parler de la beauté du repentir. Le repentir révèle non seulement la sensibilité de l’artiste mais son cheminement vers le modèle. Et c’est exactement cette fragilité qui fait vibrer son trait et semble donner de la vie au modèle sur le papier.
Les repentirs, nous aident à mieux regarder. En nous appuyant sur nos erreurs au lieu de les cacher, nous nous  offrons la possibilité de nous auto-corriger, donc de progresser. Mais également la possibilité de nous  surprendre  et de nous faire évoluer.
Ainsi par volonté de plus de justesse, laisser la trace de notre erreur, nous oblige à chercher d’autres chemins. Cet exercice répété, est un très bon moyen de faire travailler notre mémoire visuelle et notre apprentissage.
Avec l’aide du repentir, nous pouvons évoluer aisément et avec plaisir dans l’action. Prendre la mesure de la rencontre avec le modèle. Demeurer concentré à l’exploration, plutôt que s’attarder aux questions stressantes du résultat.
Pour conclure, le repentir est une chance de transformer le dessin parfois un peu trop « académique » en une remarquable surprise. Ainsi même si après des heures de labeur, gît un amoncellement de croquis certes intéressants. Il se cache au milieu, comme par miracle une pépite ! A fortiori si cette pépite est un croquis de 30 secondes. Ce croquis a d’autant plus de valeur, (c’est le double effet kiss cool !) Car on sait qu’on ne pourra jamais, ni le refaire, ni le copier et ni l’égaler.
Ce dessin est tout simplement unique ! Un instantané magique qui renferme de manière subtile, toute l’énergie de la rencontre entre l’artiste et son modèle.

Déroulement 

Nous aborderons chaque jour, une technique différente appelée : « l’outil du jour ».
Pour chacune des matinées nous travaillerons avec « l’outil du jour » sur un support papier croquis a3, avec les exercices de base que sont :

• Des croquis très rapide de 30 secondes pour « les échauffements », afin de réviser : format et mise en page. Les grandes lignes et la construction géométrique. Les proportions.
• Puis des croquis de 1 à 10mn  afin de travailler la mémoire visuelle, apprivoiser rapidement les bons gestes par la répétition. Apprendre la fluidité du trait par le mouvement. Les pleins et déliés de l’écriture.
• Séries de croquis de décomposition du mouvement.

Nous poursuivrons les après-midis avec « l’outil du jour » sur un support papier plus grand de type raisin. Les durées des poses seront plus longues pour les études. Ce qui permettra d’aborder les questions de volume, d’ombre et lumière. Il est possible qu’il y ait des ajouts d’objets ou la création de petites mises en scène. L’improvisation reste de mise !

Nous clôturerons chaque fin d’après-midi par une petite série de croquis de 30 secondes et durant une quinzaine de minutes. Puis nous prendrons le temps d’échanger nos impressions et nos commentaires avec le ou la modèle tout en faisant le tour du travail de chacun-e-s.

Jour 1

• « outil du jour » : feutres et stylos à billes sur fond blanc.
• Matin : 9h30/12h30  séance de croquis rapides
• Pause déjeuner
• Après-midi :13h30/16h  séance d’études longues. Puis débriefing jusqu’à 16h30.

Jour 2

• « outil du jour » : pastels et crayons de couleur sur fond noir.
• Matin : 9h30/12h30  séance de croquis rapides
• Pause déjeuner
• Après-midi :13h30/16h  séance d’études longues. Puis débriefing jusqu’à 16h30 .

Jour 3

• « outil du jour » : peinture acrylique et couteaux.
• Matin : 9h30/12h30  séance de croquis rapides
• Pause déjeuner
• Après-midi :13h30/16h  séance d’études longues. Puis débriefing et pot de fin de stage jusqu’à 16h30.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 12

Matériel à apporter :

• Tous types de crayons feutres que vous possédez et de toutes les couleurs : feutres fin et médium (ex : « paper mate »), feutres pinceaux, feutres alcool, feutres markers, feutres « stabylo » (ex : gris colorés pour les ombres)
• Stylo à bille idem de toutes les couleurs…
• Pastels secs (bâtonnets section carrée)
• Crayons de couleurs tous types (aquarellable  ou non…)
• Peinture acrylique 3 primaires + noir et blanc + outremer, vermillon et jaune cadmium.
• Couteaux et pinceaux (ronds et plats)
• Crayons à papier, mine de plomb…
• 1 taille crayon uniquement et pas de gomme !
• Tous types de papier 80 gr et format a3 minimum  (ramettes papier blanc conseillée)
• 1 carnet a3 papier léger (pour croquis) et 1 carnet a3 papier spécial multi- techniques (pour peinture)
• 5 feuilles noires ingres 80 gr format raisin et 5 feuilles blanches canson120gr format raisin
• Pinces à dessin et un chiffon

Modèle vivant et repentir

Un repentir qu’est-ce que c’est ?
C’est un peu comme dans la vie: une erreur est un regret qui laisse une trace. On s’est trompé, on ne peut pas effacer mais on peut faire autrement : reprendre là où on s’est trompé, c’est une façon de corriger l’erreur et en quelque sorte, d’y ajouter de la valeur.
Ainsi dans une pratique régulière de l’étude du modèle vivant, les repentirs sont autant de chance pour personnaliser son dessin. Lui donner dynamisme, fluidité, relief, mouvement, densité et force à dessein !
On peut aussi parler de la beauté du repentir. Le repentir révèle non seulement la sensibilité de l’artiste mais son cheminement vers le modèle. Et c’est exactement cette fragilité qui fait vibrer son trait et semble donner de la vie au modèle sur le papier.
Les repentirs, nous aident à mieux regarder. En nous appuyant sur nos erreurs au lieu de les cacher, nous nous  offrons la possibilité de nous auto-corriger, donc de progresser. Mais également la possibilité de nous  surprendre  et de nous faire évoluer.
Ainsi par volonté de plus de justesse, laisser la trace de notre erreur, nous oblige à chercher d’autres chemins. Cet exercice répété, est un très bon moyen de faire travailler notre mémoire visuelle et notre apprentissage.
Avec l’aide du repentir, nous pouvons évoluer aisément et avec plaisir dans l’action. Prendre la mesure de la rencontre avec le modèle. Demeurer concentré à l’exploration, plutôt que s’attarder aux questions stressantes du résultat.
Pour conclure, le repentir est une chance de transformer le dessin parfois un peu trop « académique » en une remarquable surprise. Ainsi même si après des heures de labeur, gît un amoncellement de croquis certes intéressants. Il se cache au milieu, comme par miracle une pépite ! A fortiori si cette pépite est un croquis de 30 secondes. Ce croquis a d’autant plus de valeur, (c’est le double effet kiss cool !) Car on sait qu’on ne pourra jamais, ni le refaire, ni le copier et ni l’égaler.
Ce dessin est tout simplement unique ! Un instantané magique qui renferme de manière subtile, toute l’énergie de la rencontre entre l’artiste et son modèle.

Déroulement 

Nous aborderons chaque jour, une technique différente appelée : « l’outil du jour ».
Pour chacune des matinées nous travaillerons avec « l’outil du jour » sur un support papier croquis a3, avec les exercices de base que sont :

• Des croquis très rapide de 30 secondes pour « les échauffements », afin de réviser : format et mise en page. Les grandes lignes et la construction géométrique. Les proportions.
• Puis des croquis de 1 à 10mn  afin de travailler la mémoire visuelle, apprivoiser rapidement les bons gestes par la répétition. Apprendre la fluidité du trait par le mouvement. Les pleins et déliés de l’écriture.
• Séries de croquis de décomposition du mouvement.

Nous poursuivrons les après-midis avec « l’outil du jour » sur un support papier plus grand de type raisin. Les durées des poses seront plus longues pour les études. Ce qui permettra d’aborder les questions de volume, d’ombre et lumière. Il est possible qu’il y ait des ajouts d’objets ou la création de petites mises en scène. L’improvisation reste de mise !

Nous clôturerons chaque fin d’après-midi par une petite série de croquis de 30 secondes et durant une quinzaine de minutes. Puis nous prendrons le temps d’échanger nos impressions et nos commentaires avec le ou la modèle tout en faisant le tour du travail de chacun-e-s.

Jour 1

• « outil du jour » : feutres et stylos à billes sur fond blanc.
• Matin : 9h30/12h30  séance de croquis rapides
• Pause déjeuner
• Après-midi :13h30/16h  séance d’études longues. Puis débriefing jusqu’à 16h30.

Jour 2

• « outil du jour » : pastels et crayons de couleur sur fond noir.
• Matin : 9h30/12h30  séance de croquis rapides
• Pause déjeuner
• Après-midi :13h30/16h  séance d’études longues. Puis débriefing jusqu’à 16h30 .

Jour 3

• « outil du jour » : peinture acrylique et couteaux.
• Matin : 9h30/12h30  séance de croquis rapides
• Pause déjeuner
• Après-midi :13h30/16h  séance d’études longues. Puis débriefing et pot de fin de stage jusqu’à 16h30.

Horaires : 10h-13h / 14h-17h
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 10
www.emmamarion.com

Matériel à apporter :

• Crayons
• Gomme
• Papier/carton entoilé minimum format a3, au moins 10 feuilles (indispensable exemple : « canson figueras »)
• Palettes (assiettes en céramique ou en carton)
• Pots pour l’eau
• Couteaux à peindre (indispensable)
• Chiffons
• Peinture acrylique : un rouge (rouge de cadmium clair, foncé, primaire …), un bleu (bleu outremer français, bleu de Prusse, bleu primaire …), un jaune (jaune de cadmium clair, foncé, citron …) , un blanc. En plus (facultatif) : un orangé, un violet, vert émeraude, ou toute autre couleur que vous avez.

Nu coloré à l’acrylique

Ce stage de trois jours à pour but de vous faire travailler la couleur de plusieurs façons. La couleur pure va donner un maximum d’intensité à vos compositions comme les fauves pouvaient le faire.
Le travail des complémentaires vous donnera des clés pour comprendre la roue chromatique.
Et enfin le travail en camaïeu vous permettra de réaliser un ensemble de variations à partir d’une seule couleur. Le corps du modèle sera un excellent support pour réaliser des contrastes et des modelés colorés.
Je m’appuierai sur l’enseignement de Johannes Itten tout au long du stage. (livre « art de la couleur »).
Durant ce stage de 3 jours vous réaliserez plusieurs peintures colorées avec comme sujet le nu. Quelques exercices de Johannes Itten vous permettront de vous approprier les couleurs en tons chauds et froids. Les poses longues du ou de la modèle aideront à l’élaboration d’une composition picturale.

Déroulement 

Matinée 1 (sans modèle)
Exercices de Johannes Itten visant à décliner les couleurs en teintes été et hiver. Cette matinée permettra de s’approprier les couleurs et de faire des choix en vue de la composition colorée à l’acrylique.
Travail sur table.

Aprem 1 (avec modèle)
travail autour des couleurs «hiver» avec 2 poses de 1h.

Matinée 2 (avec modèle)
travail autour des couleurs «été» avec 2 poses de 1h.

Aprem 2 (avec modèle)
Mettre en valeur le corps coloré avec un fond de nuit.

Matinée 3 (avec modèle)
2 poses de 1h autour des couleurs complémentaires. Violet rehausses de jaune / bleu rehausses orangées.

Aprem 3 (avec modèle)
travail de composition avec les trois couleurs primaires

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : adultes débutants et initiés
Participant-e-s maximum : 10
Instagram de Pascale France

Matériel à apporter :

• Papier : rouleau wenzhou format 0.45x25m
• Au moins 2 pinceaux (peinture chinoise) : 1 petit (loup) 1 moyen (loup ou mélangé)
• Encre : liquide ou pierre et bâton d’encre
• Feutrine

L’art du simple-peinture tch’an et suibokuga

Initiation à une technique de peinture à l’encre, le ‟Shinkunshi”.
Autour du motif de l’orchidée d’Asie, appréhendez la peinture sous l’angle de la tenue du pinceau, de la posture, du souffle, de l’état d’esprit. Découvrez par cette approche, comment les variations du geste (pression, vitesse, mouvement) influent sur le tracé de l’outil.

La peinture tch’an (VI^ème siècle pour la chine) et suibokuga (sumi-e XIII^ème siècle pour le japon) utilise de façon ancestrale quatre éléments : le pinceau, l’encre, l’eau et le papier de riz comme pour la calligraphie, l’origine de cet art.
Les fondamentaux de l’enseignement, technique shikunshi s’élaborent à partir de ce qui est nommé ‛ les 4 nobles plantes ’ associés aux saisons :
Orchidée (le printemps), bambou (l’été), chrysanthème (l’automne) et prunier (l’hiver).
Chaque végétal apporte une maitrise dans les gestes et les encrages.
La base de cette pratique expressive a pour sujet l’observation de la nature. Ces thèmes majeurs, pour acquérir une première et solide compétence avec les pinceaux, ouvrent les portes vers la créativité.
Une des caractéristiques de cet art est l’harmonie en respectant les lois du vide et du plein, des espaces, des contrastes.
Cette technique exclut tout repentir. Par sa main chaque peintre laisse une trace indélébile sur le papier. Par sa posture, son souffle il ou elle engage toute sa personne.

Durant ce stage l’orchidée est à l’honneur.
La représentation de l’orchidée évoque le mouvement, l’élégance, la légèreté. Elle est la plus proche de l’écriture.

2 groupes : débutants et initiés

Déroulement

Jour 1

Présentation de la peinture tch’an et sumi-e.

Débutants : Techniques de base : Posture, tenue du pinceau. Apprendre à tenir le pinceau en traçant un simple trait de l’hésitation jusqu’à l’aisance du mouvement du pinceau.
Mise en route : Explorer les différents traits. (accompagnés de notre tranquillité afin d’obtenir une sensation de stabilité). Le tracé de la feuille d’orchidée (épaisseurs, ‟pointe en queue de souris” ) par la ‟danse du pinceau”. Le croisement des feuilles. Les 10 principes de réalisation. Structure par le double contour (technique du bai miao)

Initiés : Idem en profondeur (ligne de force) plus création de différents ilots de feuilles, plusieurs orientations. Sujet détente pour toutes et tous. Démonstration

Jour 2

Mise en route méditative. Suite des 10 principes. Tracé en ‟coups de hache”. Fleurs d’orchidée dans diverses orientations. Tiges (rythmes)
Feuilles en mouvement (le geste et le souffle en harmonie, le corps accompagne le geste). Différentes nuances d’encre et vitesse d’exécution,
Synthèse des apprentissages.

Initiés : idem plus rythmes, rameaux de fleurs, orchidées dans le vent, descendantes, en groupe.
Sujet détente en quelques traits pour tous.

Démonstration orchidée dans son environnement

Jour 3

Technique d’encrages. Les 6 nuances de base. Aperçu des lois de compositions et d’harmonie. Choix de 3 principes pour réaliser sa composition (les 10 pour les initiés). Sujet détente au choix.
Enfin, réaliser, en toute liberté, l’orchidée de son choix à son rythme.
Initiés : idem avec approfondissement de l’encrage plus apprentissage de la roche. Orchidée et rochers.
Des échanges, des questions durant ces 3 jours contribueront au bon déroulement du stage.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : adultes débutants et initiés
Participant-e-s maximum : 10
Instagram de Pascale France

Matériel à apporter :

• Papier : rouleau wenzhou format 0.45x25m
• Au moins 2 pinceaux (peinture chinoise) : 1 petit (loup) 1 moyen (loup ou mélangé)
• Encre : liquide ou pierre et bâton d’encre
• Feutrine

L’art du simple-peinture tch’an et suibokuga

Initiation à une technique de peinture à l’encre, le ‟Shinkunshi”.
Autour du motif de l’orchidée d’Asie, appréhendez la peinture sous l’angle de la tenue du pinceau, de la posture, du souffle, de l’état d’esprit. Découvrez par cette approche, comment les variations du geste (pression, vitesse, mouvement) influent sur le tracé de l’outil.

La peinture tch’an (VI^ème siècle pour la chine) et suibokuga (sumi-e XIII^ème siècle pour le japon) utilise de façon ancestrale quatre éléments : le pinceau, l’encre, l’eau et le papier de riz comme pour la calligraphie, l’origine de cet art.
Les fondamentaux de l’enseignement, technique shikunshi s’élaborent à partir de ce qui est nommé ‛ les 4 nobles plantes ’ associés aux saisons :
Orchidée (le printemps), bambou (l’été), chrysanthème (l’automne) et prunier (l’hiver).
Chaque végétal apporte une maitrise dans les gestes et les encrages.
La base de cette pratique expressive a pour sujet l’observation de la nature. Ces thèmes majeurs, pour acquérir une première et solide compétence avec les pinceaux, ouvrent les portes vers la créativité.
Une des caractéristiques de cet art est l’harmonie en respectant les lois du vide et du plein, des espaces, des contrastes.
Cette technique exclut tout repentir. Par sa main chaque peintre laisse une trace indélébile sur le papier. Par sa posture, son souffle il ou elle engage toute sa personne.

Durant ce stage l’orchidée est à l’honneur.
La représentation de l’orchidée évoque le mouvement, l’élégance, la légèreté. Elle est la plus proche de l’écriture.

2 groupes : débutants et initiés

Déroulement

Jour 1

Présentation de la peinture tch’an et sumi-e.

Débutants : Techniques de base : Posture, tenue du pinceau. Apprendre à tenir le pinceau en traçant un simple trait de l’hésitation jusqu’à l’aisance du mouvement du pinceau.
Mise en route : Explorer les différents traits. (accompagnés de notre tranquillité afin d’obtenir une sensation de stabilité). Le tracé de la feuille d’orchidée (épaisseurs, ‟pointe en queue de souris” ) par la ‟danse du pinceau”. Le croisement des feuilles. Les 10 principes de réalisation. Structure par le double contour (technique du bai miao)

Initiés : Idem en profondeur (ligne de force) plus création de différents ilots de feuilles, plusieurs orientations. Sujet détente pour toutes et tous. Démonstration

Jour 2

Mise en route méditative. Suite des 10 principes. Tracé en ‟coups de hache”. Fleurs d’orchidée dans diverses orientations. Tiges (rythmes)
Feuilles en mouvement (le geste et le souffle en harmonie, le corps accompagne le geste). Différentes nuances d’encre et vitesse d’exécution,
Synthèse des apprentissages.

Initiés : idem plus rythmes, rameaux de fleurs, orchidées dans le vent, descendantes, en groupe.
Sujet détente en quelques traits pour tous.
Démonstration orchidée dans son environnement.

Jour 3

Technique d’encrages. Les 6 nuances de base. Aperçu des lois de compositions et d’harmonie. Choix de 3 principes pour réaliser sa composition (les 10 pour les initiés). Sujet détente au choix.
Enfin, réaliser, en toute liberté, l’orchidée de son choix à son rythme.
Initiés : idem avec approfondissement de l’encrage plus apprentissage de la roche. Orchidée et rochers.
Des échanges, des questions durant ces 3 jours contribueront au bon déroulement du stage.

Horaires : 9h-12h / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 12 ans
Participant-e-s maximum : 10
www.blancheberthelier.com

Matériel à apporter :

• plume (« sergent major ») et porte-plume
• encre de chine (attention : surtout pas la marque rougier & plé !!! )
• un pastel gras (huile) couleur au choix (plusieurs si vous en avez déjà)
• crayons mine graphite (hb, b, 2b au choix)
• crayon pierre noire (b, 2b, 3b au choix)
• crayon neocolor aquarelle, caran d’ache, couleur au choix
• pinceaux pour le dessin (pointu) et brosses
• bloc croquis à spirale A3
• carnet de croquis format A5 par exemple, ou tout autre carnet de croquis pour dessiner en extérieu
  + prévoir d’autres supports papier selon le projet personnel envisagé. (à déterminer pendant le stage)
• Ainsi que tout autre matériel qu’il vous plaît d’utiliser pour dessiner !

Regard sur la nature

Ce stage s’articule autour de la question de notre relation à la nature et à sa représentation, par la pratique du dessin d’observation et d’imagination.
Dans un processus en deux phases, le stage vise à mettre en lumière ces relations que nous pouvons établir, par une observation attentive aux formes naturelles. Une tentative pour entrer dans une contemplation qui nous transmet le plaisir de dessiner la beauté de la nature, et qui nous met aussi en relation avec son intelligence même, exprimée sous ses formes tangibles (végétal, animal, etc). Le processus de dessin créant une relation entre le dessinateur et l’objet observé, il nous permet d’entrer dans une compréhension de la nature au-delà des mots. C’est de cette relation personnelle révélée par le dessin d’observation que peut alors germer une interprétation et une expression artistique personnelle, empreinte d’une appréhension intime, comme témoin d’une sensibilité et d’une volonté de représenter l’indicible de ce rapport entre nous et la nature.
La première partie du stage aborde des notions de dessin d’observation, avec des éléments de technique de dessin analytique, afin de permettre d’affiner sa perception et sa capacité à observer et représenter.
Du dessin d’objets naturels pour la compréhension des structures et formes par le croquis, une attention aussi aux détails et matières pour s’approprier cette attention à l’infime.

Le dessin d’observation est aussi prévu dans d’autres endroits que l’atelier afin de développer une pratique de carnet de croquis, comme répertoire de formes et outil de travail et de recherche.
La seconde phase a lieu à l’atelier, laboratoire dans lequel tout ce travail d’observation va se mêler aux impressions collectées lors des heures de dessin, à des éléments d’expression plus personnelles, des recherches sur le plan théorique, philosophique, scientifique, symbolique, etc…
De cette relation personnelle à la nature acquise par le dessin et par ces éléments de réflexion, c’est alors l’élaboration d’un travail d’imagination, d’interprétation et d’expression par le dessin qui est proposé.
Cette élaboration artistique se nourrit des échanges entre les stagiaires, et des retours de la responsable du stage. Elle se basera sur l’élaboration d’esquisses et le suivi de la réalisation des œuvres.
La forme de ce travail est libre, mais doit être axée autour du dessin. Les formats, supports, médiums seront les choix plastiques des stagiaires, tout comme les démarches artistiques, concepts des propos abordés par chacun.

Résumé :

• dessin d’observation : éléments de technique, pratique du croquis. Dessin d’objets naturels (végétaux, animaux, etc.) En atelier.
• sorties dessinées en extérieur si le temps le permet, ou dans les serres du parc (sous réserve d’une autorisation de leur part)
• dessin d’imagination et interprétation : élaboration d’un travail personnel de création.
• pratique du carnet de croquis : l’incontournable du dessinateur ! Un outil de recherche, aussi bien graphique que théorique. Travail du croquis en extérieur dans ce carnet à toujours avoir avec soi.

Déroulement

Jour 1

Présentation du stage et de son contenu.
Début du travail de dessin d’observation : dessin de végétaux, animaux et objets naturels divers. Fondamentaux du dessin d’observation (selon le niveau), pratique du croquis chronométré. Expérimentation de différents médiums et techniques. Un temps en fin de journée pour une discussion collective et un bilan du travail effectué.

Jour 2

Suite du travail de dessin d’observation :
Travail de croquis et dessin dans le carnet de croquis avec une sortie dans les serres du parc de la tête d’or. Après-midi : travail d’interprétation : retravailler les éléments dessinés dans le carnet et continuer le dessin d’après les objets présents dans l’atelier. Expérimentations sur de grands formats. Phase création : échanges collectifs et suivi du projet personnel.
Élaboration des esquisses et du travail préparatoire du projet de chacun, à partir du travail des jours précédents.

Jour 3

Sortie au jardin botanique si le temps le permet. Réalisation des dessins personnels. La phase projet doit être réalisée et terminée dans la journée.
Suivi du travail et de l’élaboration plastique et artistique du projet de dessin de chacun-e des participant-e-s. Un moment d’échange entre les pratiquant-e-s et un retour sur le travail de ces trois jours.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site des Subsistances
Publics : Adultes et adolescent-e-s ayant déjà une pratique de la peinture acrylique ou du modèle vivant
Participant-e-s maximum : 10
www.juliariffiod.com

Matériel à apporter :

• peinture acrylique, marque recommandé «la gamme abstract de sennelier »
• couleurs primaires (jaune, cyan, magenta) + blanc de titane + orange  + vert + toute autre couleur de votre choix (bleu de Prusse, vert phtalo, jaune de palme, couleurs très vives…) 
• plusieurs pinceaux brosses en soie de porc (ou imitation) environ 5mm, 1 cm, 2 cm 
• un ou deux pinceaux ronds en soie de porc (ou imitation) environ 5 mm, 1 cm
• une/des brosses larges pour remplir le grand format (d’un magasin de bricolage, moins cher) (4, 5 cm environ)
• des grosses pinces pour maintenir deux planches ensemble pour les grands formats
• papier format raisin 
• papier format grand aigle (ou supérieur à format raisin)
• chiffon
• grande palette (1 ou 2)

Portraits héroïques ! À la peinture acrylique – grand format

Dans ce stage, un-e modèle, différent chaque jour, viendra poser pour que nous réalisions son portrait officiel ! Vous allez traiter les corps en majesté, sur des grands formats dignes des portraits royaux historiques. L’objectif sera d’intégrer de façon décalée l’héritage de la peinture dans notre quotidien contemporain.
Le ou la modèle sera invité-e à poser dans un environnement destiné à la mettre en valeur, la plaçant au rang de figure héroïque actuelle, tant dans sa posture, que dans les éléments qui l’entourent et la symbolisent. La mise en scène se fera par le choix du mobilier, de tissus, de tenues favorites, de bijoux, et d’accessoires fétiches.
Chaque jour, un-e artiste de référence sera abordé-e pour vous inspirer et vous guider dans vos représentations.

Le premier jour, nous expérimenterons les gris colorés et les couleurs de la chair à la manière de Lucian Freud, peintre officiel de la Reine Elisabeth II.
Le second jour, nous travaillerons à la manière d’Alice Neel, peintre de la société New-yorkaise. Le modèle sera habillé et installé dans un décor simple. L’occasion d’intégrer des couleurs plus vives, la notion de composition et d’inachevé.
Le troisième jour, c’est Kehinde Willey, peintre officiel de Barack Obama qui guidera vos compositions, entre réalisme et onirisme, grâce aux motifs colorés imbriqués dans ses décors.

Le matin sera consacré à la découverte de l’artiste du jour et à des exercices de peinture sur des poses allant de 3 à 30 min. L’après-midi sera dédié à la réalisation d’un grand format (grand aigle) sur une seule pose longue (1h30, 2h environ).
Des temps de regard et d’échange sur les travaux ponctueront les journées. Ce stage s’adresse aux adultes et adolescent-e-s ayant déjà une pratique du modèle vivant ou de la peinture acrylique. 

Déroulement 

Jour 1

Exercices d’échauffement en modèle vivant en intégrant une partie du décor. Installer le corps dans un décor pour obtenir des compositions dynamiques. Travail des gris colorés et des couleurs de la chair en peinture pour représenter le modèle nu dans son environnement. Recherche d’une harmonie colorée entre le corps et le décor. Avoir une méthodologie pour remplir correctement un grand format.

Jour 2

Ajouter des couleurs vives dans sa gamme colorée. Travail de l’inachevé en peinture pour consolider la mise en place de la composition. Focus sur le portrait, les proportions principales et travail de la ressemblance.

Jour 3

Complexifier le décor, en intégrant des motifs à la composition. Mêler réalisme et onirisme. Travailler une palette plus riche composée de tons vifs et rompus. Travailler les couleurs complémentaires. Affirmer son style. Pousser le travail de composition pour obtenir une peinture.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site des Subsistances
Publics : adultes, ados
Participant-e-s maximum : 12
www.juliariffiod.com

Matériel à apporter :

• Encre de couleur : Au moins 4 couleurs choisissez parmi les bleus, verts, jaunes, roses, oranges, rouges, violets. Il existe une gamme très large de couleurs au-delà des primaires, choisissez des couleurs qui vous plaisent !
• Choisissez des encres aquarelles marque colorex ou écoline. Les prendre avec une pipette intégrée. (A noter la possibilité de prendre des encres acryliques mais qui auront un rendu différent, ce sont notamment les marques liquitex, sennelier)
• Pinceaux : minimum 2 pinceaux : une brosse plate type « langue de chat », un pinceau rond adapté à l’encre, les pinceaux aquarelles en poil de petit gris sont adaptés (même si un peu mou)
• Chiffon
• Palette (dans l’idéale plusieurs petites avec godets intégrés)
• plusieurs gobelets (au moins 4) fournis par l’école
• techniques à associer au choix : achetez vos crayons à l’unité, pour choisir les couleurs qui vous plaisent.
• crayons de couleur, crayons pastel, pastel sec, pastel gras…
• Feutres de couleur de tout type (ex : posca, feutre aquarellable, feutre indélébile, embout fin et épais… éviter les feutres à l’alcool !),
• Pastel à la cire néocolor I ou II (aquarellable) de Caran d’ache, gros crayon woody aquarellable de Stabilo, craies carrées conté…
• papier brouillon en format raison (50×65 cm) ou A2 minimum (papier à croquis 70gm à 120gm)
• papier format raisin (50×65 cm) minimum 170gm au mieux plus de 200 gm et quelques feuilles aquarelle 300g pour tester
• on va utiliser beaucoup de papier, acheter le en pack.
• Taille crayon, cutter
  Nous ferons un point sur le matériel le premier jour du stage pour vous guider (notamment sur les choix de techniques sèches).

Oser la couleur ! Encre de couleur et techniques mixtes.

Osons la couleur ! A l’encre et au pinceau d’abord, pour libérer son geste, affirmer son trait, prendre confiance en soi et faire monter en puissance le rendu des dessins. Puis en ajoutant progressivement le crayonné d’autres outils pour apporter dynamisme et légèreté à son travail. (crayons aquarellables, feutres, pastels à la cire néocolor).
Ces 3 jours de stage seront une expérimentation ludique autour de l’encre de couleur et de techniques sèches à lui associer. Nous aborderons le dessin de modèle vivant en faisant des va-et-vient entre le crayon et le pinceau, entre la ligne et les masses, entre la couleur pure et la couleur diluée à l’eau.
Des exercices ciblés permettront d’apprendre à retranscrire l’ombre et la lumière, de gérer la composition et le blanc du papier, le bon dosage de l’eau, d’associer les couleurs entre elles, de jouer avec des tâches hasardeuses et de finalement s’approprier ses différentes techniques pour enrichir son vocabulaire formel.
Des temps de regard et d’échange sur les travaux ponctueront les journées, ainsi que la découverte d’artistes pour s’inspirer. Nous alternerons les temps de poses, allant de 1 min à 15 minutes environ. Ce stage s’adresse à tous les niveaux, de débutant-e à confirmé-e, adultes et adolescent-e-s.

Déroulement 

Jour 1

Travailler à l’encre pure pour faire ressortir le contraste entre la couleur vive de l’encre et le blanc du papier. Affirmer le geste, représenter le mouvement des poses, aller à l’essentiel, en s’inspirant de la ligne claire.
Travailler progressivement l’encre diluée à l’eau. Apprendre à doser l’eau, bien utiliser son pinceau. Rechercher l’ombre et la lumière grâce à la ligne, aux masses et au dégradé de couleur.

Jour 2

Jouer avec l’encre et son rendu parfois imprévisible. S’amuser avec des tâches, se laisser guider par le hasard, apprivoiser l’eau, préciser les formes et les contours par l’ajout de crayons en couleur. Travailler en mixant les outils et les couleurs.

Jour 3

S’approprier les techniques pour affirmer son style. Comment bien associer et mélanger plusieurs couleurs ? Comprendre le fonctionnement du cercle chromatique pour l’appliquer à l’utilisation des couleurs. Doser la quantité de couleurs, leur répartition sur le dessin, en associant des couleurs proches en teinte, complémentaires ou encore des tons chauds et froids. Amener de la nuance et du contraste, de la légèreté et du dynamisme en maîtrisant l’équilibre entre l’encre, l’eau et les différents crayonnés.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 12
www.morganedemoreuille.com

Matériel à apporter :

• Papier aquarelle (A3)
• pinceaux aquarelle
• aquarelles
• chiffon
• crayon graphite
• gomme
• couteau pour les fruits
• une ou plusieurs dizaine de feuilles (herbes, plantes, arbres, …), fruits, branches
• scotch papier ou kraft gommé.

Aquarelle et végétal

Travail de dessin à l’aquarelle à partir de l’observation et la décortication d’éléments végétaux.
Dessin d’exploration. Pour démarrer les séances : éclairages sur l’aquarelle et la géométrie végétale. Au fil des jours : découverte des réactions de l’aquarelle, de l’eau et du papier ; emploi du pinceau et de l’aquarelle par lignes ou surfaces colorées ; fusion des couleurs dans l’eau ; superpositions de couches d’aquarelle.

Déroulement 

Jour 1

FEUILLES.
Matin : exercices d’aquarelle et représentation de feuilles : silhouette et fusion des couleurs.
Après-midi : feuillage : masses colorées et dessin au trait

Jour 2

FRUITS.
Matin : l’extérieur des fruits, couleur et aspérités.
Après-midi : l’intérieur des fruits, décortiquer, suggérer

Jour 3

BRANCHES.
Matin : dehors sous les arbres ou tas de branches (selon la météo) développement et déploiement spatial (proportions, formes coniques et cylindriques).
Après-midi : composition libre sur le thème du végétal et développant les sujets abordés lors du stage.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 12
www.morganedemoreuille.com

Matériel à apporter :

• Bloc de papier aquarelle A3
• crayons
• pinceaux pour l’encre (type aquarelle) et pinceaux pour la peinture (pinceau brosse)
• pots en verre pour remporter vos encres
• gants de jardinage (épines de ronces)
• ciseaux
• scotch de peintre (scotch papier).
• Matériaux en commun : Vinaigre ménager, paille d’acier, blanc de Meudon, farine, bicarbonate de soude, drawing-gum, huile de lin, chou rouge (participation financière de 4 euros par personne)

Fabrication de couleurs et dessin

Trois jours d’atelier de fabrication de couleurs et de pratique sensible de dessin. Mélanger et cuisiner des produits simples, accessibles et disponibles pour créer des encres et des peintures. Les employer sur papier, explorer les couleurs, variations, et matières par un travail de dessin. Le matin sera consacré à la fabrication des couleurs en groupe et l’après-midi, à la pratique de dessin inspiré de l’observation de végétaux et d’objets.
Les journées seront rythmées par des pauses et échanges individuels et collectifs.

Déroulement 

Jour 1

Couleurs de chou rouge : rouges, bleus, violets, verts. Dessin à partir des lignes sinueuses et plis des feuilles de chou. Savez-vous pourquoi les choux font ces plis ?

Jour 2

Couleurs d’argiles : rouge, jaune, vert, bleu, blanc, noir. Travail de dessins/peintures inspiré de poteries et récipients de diverses époques. Longue conservation ?

Jour 3

Encre de ronces : noir. Travail de dessin à partir des formes des feuilles, épines, tiges rampantes des ronces. Mauvaise herbe ?

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 10

www.galaaxxe.wixsite.com/galaaxxe

Matériel à apporter :

• Bâton de colle, ciseaux, cutter, règle, feutres, stylos, crayons de couleur, pinceau, scotch
• Feuilles de format A3 et/ou A5 de minimum 180g .
• Quelques feuilles de brouillon
• Peinture acrylique ou gouache
• Une dizaine de matériaux à découper (vieux livres, magazines, prospectus, documents personnels, images imprimées…tout ce qui vous inspire et qui peut-être découpé et collé !
• Facultatif : emballages, objets recyclés, photographies, fil et aiguille de couture, papier calque, papier de couleur, papier texturé, agrafes, blanco, colle à papier…

Stage de découverte et d’expérimentation autour du collage création de fanzine et de mixed media.

Ce stage est l’occasion de découvrir ou de redécouvrir la pratique du collage en mêlant textes, images et techniques diverses. Durant trois jours nous explorerons les différentes étapes de la création d’un collage en passant par la recherche d’images et de matériaux, la préparation du support ainsi que les techniques de déformation de l’image. Nous apprendrons aussi à suivre notre intuition dans le choix des matériaux et dans leur assemblage afin de mieux connaître notre rapport aux images et aux mots et de pouvoir s’exprimer par ce biais. Je vous guiderai dans la composition et dans l’association des médiums afin que vous soyez en capacité de créer en utilisant et en modifiant des supports déjà existants. Pour cela, nous nous appuierons sur des collages issus de mouvements artistiques divers mais aussi sur d’autres pratiques comme celles du fanzine ou du design graphique.

Déroulement 

Jour 1

Se familiariser avec le média papier, jouer avec les images et le texte.

• Création d’un texte avec les matériaux apportés afin d’apprendre à repérer les mots qui nous touchent et apprivoiser la phase de recherche.
• Découverte de plusieurs techniques, styles et mouvements relatifs au collage afin de se rendre compte de la variété des possibilités de cette pratique.
• Création d’un autoportrait en collage. Recherche puis assemblage de matériaux avec ajout de texte, de dessin, de peinture, d’écriture…

Jour 2

Associer les couleurs et les formes. Découvrir des techniques de découpe et de déformation de l’image. Créer un collage autour d’un thème ou d’une contrainte spécifique.
Entraînement aux différentes manières de modifier, détériorer, fragmenter, découper et mettre en valeur les images en jouant avec des documents similaires en plusieurs exemplaires. (exemplaires fournis)
Partage, discussion autour des résultats obtenus et découverte d’un panel de techniques de traitement de l’image avant et pendant le collage.
Création d’un ou plusieurs collages autour d’un thème commun, d’une contrainte spécifique.

Jour 3

Créer une narration, transmettre une idée par le collage en incorporant de nouvelles techniques. Créer au choix un mini fanzine illustré par des éléments de collage ou une série de plusieurs collages en lien.
Création de collages en variant les registres : humoristique, satirique, surréaliste, réaliste etc. avec association d’autres techniques et en changeant de format.
Travail sur un projet au choix :

• Choix 1 : création d’un mini fanzine, pliage d’une feuille puis plan au brouillon de l’intérieur, recherche de matériaux autour du thème choisi puis collage
• Choix 2 : création d’une série de collages en parvenant à transmettre une idée ou à créer une narration au sein de la série.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 8
www.delettre.org

Matériel à apporter :

• Carnet de croquis de faible grammage pour croquis préparatoires
• Assortiment de crayons à dessin graphites hb, 2b, 4b, 6b
• Fusains tendres
• Gomme mie de pain
• Taille crayon
• Pinces à dessin
• Bombe de fixatif (pour crayon et fusain)
• Support pour peindre à l’huile : papiers à grain toilés (figueras canson de 290g/m² ou hannemühle de 330 g/m²) et/ou toiles de lin sur châssis
• Pinceaux en poils synthétiques : pinceaux ronds : pointes fines (n°1 et 2) et brosses plates « usé-bombé » (ou langue de chat) n°4, 6, 8, 10, 12
• Quelques pinceaux (brosses plate) en soie de porc
• Une palette de peinture en bois (ou en plastique)
• 2 petits pots en verre avec couvercle (pots de confiture ou terrine par exemple)
• Un tablier, blouse ou vieux vêtements.
• Médium à peindre talens 083 (ou huile de lin ou d’œillette si vous en possédez déjà) et essence de térébenthine rectifiée – vous pouvez préparer le médium à peindre en mélangeant de la térébenthine rectifiée et de l’huile de lin (ou d’œillette) mais je conseillerais d’utiliser du médium à peindre tout fait (prêt à peindre).
• Peintures à l’huile : bleu outremer foncé, bleu céruléum, bleu de cobalt, bleu de prusse, jaune de cadmium, jaune de cadmium-citron, rouge cadmium, laque de garance foncée, rouge vermillon, terre d’ombre brulée, terre de sienne brûlée, ocre jaune, blanc de titane, noir d’ivoire.
• Si besoin pour réaliser des fonds sur place, quelques peintures acryliques comme un rouge vermillon et une terre de sienne brûlée.
• Rubans de masquage tesa (pour isoler les surfaces à peindre)
• 1 couteau à palette
• Des chiffons ou papier essuie-tout (type sopalin)
• White spirit et savon de marseille pour le nettoyage des pinceaux.

Peinture du ciel et paysage « ALLA PRIMA »

Alla prima est un terme italien. Nous dirions en français « au premier coup ». C’est une technique de peinture à l’huile qui permet d’obtenir un résultat final après une seule séance de peinture. Cette technique s’oppose au travail de peinture à l’huile par couches successives et à l’apport de glacis qui demande d’attendre que la couche précédente soit sèche pour appliquer de nouvelles teintes transparentes. Elle est utilisée depuis plusieurs siècles par les peintres notamment pour élaborer leurs ébauches. Ils ou elles préparaient ainsi la composition de leur paysage sur le motif pour ensuite les reprendre à l’atelier en plus grand format. Les impressionnistes utilisaient cette technique qui leur permettait de terminer leur tableau en capturant la lumière naturelle « d’un premier jet ».

C’est une approche directe de la peinture appelée aussi “mouillé sur mouillé” et nous verrons toutes les possibilités du travail des couches humide sur humide pour produire une peinture dynamique et gestuelle dans un temps limité. Une bonne gestuelle dans vos coups de brosse participera à donner du caractère à votre peinture. Des gestes rapides et maîtrisés vous permettront de garder la spontanéité dans votre travail. La technique « alla prima » permet un maximum d’expressivité et vous verrez que cette approche de la peinture à l’huile offre beaucoup de liberté.

La pratique du ciel permettra de travailler les différentes techniques de la peinture à l’huile en prenant compte de ses contraintes tout en construisant un tableau de paysage. Cette méthode permet également de développer son regard et une analyse du motif à peindre. Pour la cohérence globale de l’œuvre et pour donner de la présence à votre tableau, cette technique demande une certaine justesse dans l’approche des formes, de l’équilibre des masses, dans le travail de composition, en ligne, en valeur et en couleur, de la lumière et de l’atmosphère. Nous aborderons les trois couleurs primaires et toutes les nuances possibles du champ chromatique. Le ciel est une pratique idéale pour capturer la lumière et donner l’illusion de profondeur dans un tableau.

Les différentes décisions dans l’utilisation des couleurs, des techniques dans l’application de la peinture et le maniement des pinceaux, médiums et différents outils auront toutes leur importance pour donner de la puissance à votre travail. Vous devrez simplifier les formes, les couleurs (avec une palette réduite) et vous marquerez fortement les contrastes pour faire apparaitre la lumière et apporter du réalisme à votre image.

Le travail se construit d’abord par les grandes masses qui structurent la composition du tableau pour finir sur les détails. Sur ce principe, l’utilisation de gros pinceaux vous éviteront d’aller trop rapidement sur des détails dont vous n’avez pas besoin dans les premières étapes du travail. Vous irez à l’essentiel pour donner de la présence à votre image. À partir d’une composition très simple, la couleur, le travail de la lumière et la profondeur atmosphérique vous ouvriront les portes d’un monde sensible. 

Après avoir dessiné votre sujet, la technique « alla prima » vous permettra de reprendre le dessin et de modeler les formes à l’aide d’une palette limitée. Vous construirez votre palette de couleurs en rapport à la tonalité de la peinture et la lumière que vous voulez obtenir.

Vous aurez besoin de multiples photographies de paysage qui vous serviront pour construire différentes compositions durant ces trois jours. La composition et la lumière devront être pensées avec soin pour trouver une ambiance et une atmosphère particulière. Cherchez dans vos propres photographies mais vous pouvez également apporter d’autres visuels ou livres de paysages qui vous inspirent et qui vous serviront de point de départ.

Nous ne copierons pas les images mais nous interpréterons les différentes compositions de formes ou l’inspiration d’une lumière pour en traduire librement les caractéristiques et en sortir une œuvre personnelle. Nous analyserons ensemble les visuels qui ont attirés votre attention pour choisir les plus pertinents. L’enseignant apportera également des images à vous proposer au début du stage.

Préparez des supports de petits formats sur papier toilé par exemple. Je conseille le format carré, sur lequel j’apprécie de construire mes compositions pour ce type de démarche, mais ne dépassez pas le 20×20 cm. Avec moins de surface à peindre, vous pourrez vous familiariser plus rapidement avec la technique et aussi avoir une approche beaucoup plus directe dans l’élaboration de votre composition. Peindre sur des petites surfaces vous permettra de trouver l’équilibre et l’harmonie de l’œuvre en concentrant votre énergie afin d’aller rapidement à l’essentiel. Le format carré permet de vous libérer des formats classiques, figures, portraits et marines et de composer librement en partant d’un espace dépourvu de ces codes.

Les principes de la peinture à l’huile sont de peindre, gras sur maigre, clair sur foncé et opaque sur transparent. Travailler sur le fond blanc de votre support est possible mais je conseille une couleur de fond pour avoir une teinte de référence sur laquelle vous pourrez vous appuyer pour contrôler la justesse de vos couleurs et de vos valeurs. La couleur de fond étant un élément de votre composition, cela évite également d’avoir à remplir toute la surface du tableau. Par exemple des fonds rouges-orangés (saturés et lumineux) que vous aurez préparés à l’avance sur différents supports apporteront instantanément une présence forte à la toile. L’avantage de cette couleur permet de réchauffer toutes les teintes que vous poserez dessus et sa valeur moyenne permet d’ajouter facilement des teintes de valeurs sombres et claires. Ce fond peut être aussi très utile pour rehausser les verts par contraste des complémentaires. Un gris chaud de valeur moyenne convient également.

Nous verrons ensemble la théorie du cercle chromatique de johannes itten et comment travailler une gamme de gris coloré à l’aide des couleurs complémentaires ou du mélange de couleurs chaudes et de couleurs froides avec le blanc.

Nous étudierons les 3 principales propriétés d’une couleur : sa teinte, sa chromaticité (son intensité) et sa valeur. Étude et compréhension du nuancier et d’une peinture avec palette limitée (palette zorn). Je vous montrerai des exemples concrets.

Déroulement 

Jour 1

Matin : après avoir fait les présentations, j’explique comment analyser une image afin d’en saisir les éléments qui vous permettront de dégager une composition forte et équilibrée. Nous regarderons ensemble quels sujets vous semblent intéressants à peindre et je ferai rapidement un résumé des différentes étapes à franchir pour réaliser une peinture en utilisant l’approche directe avec la technique alla prima (ou mouillé sur mouillé).

Vous commencerez par réaliser des croquis d’étude. À ce stade, vous devez chercher à structurer vos compositions avec des lignes de forces. Vous déciderez également de la lumière dans votre composition qui déterminera l’atmosphère et l’ambiance de votre image. Ensuite, vous démarrerez la peinture alla prima sur une composition de votre choix. 

Après-midi : sans aller dans le détail, vous continuez à construire votre peinture jusqu’à trouver un équilibre formel dans votre composition entre lignes, masses, valeurs et couleur et vous pourrez déjà voir apparaitre un paysage dans lequel vous projeter grâce la profondeur de l’espace ainsi crée et le réalisme apporté par la lumière.

Jour 2

De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires. Nous verrons les différentes possibilités de compositions pour peindre alla prima avec de nouveaux cadrages et nouvelles directions.

Jour 3

De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires.

Nous pourrons chercher encore de nouvelles possibilités pour apporter du caractère, de la force et de la présence dans vos tableaux.

Soir : à l’issu du stage, un apéro pourra s’organiser.

Nous ferons un bilan pour que chacun puisse donner ses impressions sur le travail accompli durant le stage et ainsi faire une analyse des difficultés rencontrées et de ses réussites personnelles.

Horaires : 9h30-12h30 / 13h30-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 8
www.delettre.org

Matériel à apporter :

• Carnet de croquis de faible grammage pour croquis préparatoires
• Assortiment de crayons à dessin graphites hb, 2b, 4b, 6b
• Fusains tendres
• Gomme mie de pain
• Taille crayon
• Pinces à dessin
• Bombe de fixatif (pour crayon et fusain)
• Support pour peindre à l’huile : papiers à grain toilés (figueras canson de 290g/m² ou hannemühle de 330 g/m²) et/ou toiles de lin sur châssis
• Pinceaux en poils synthétiques : pinceaux ronds : pointes fines (n°1 et 2) et brosses plates « usé-bombé » (ou langue de chat) n°4, 6, 8, 10, 12
• Quelques pinceaux (brosses plate) en soie de porc
• Une palette de peinture en bois (ou en plastique)
• 2 petits pots en verre avec couvercle (pots de confiture ou terrine par exemple)
• Un tablier, blouse ou vieux vêtements.
• Médium à peindre talens 083 (ou huile de lin ou d’œillette si vous en possédez déjà) et essence de térébenthine rectifiée – vous pouvez préparer le médium à peindre en mélangeant de la térébenthine rectifiée et de l’huile de lin (ou d’œillette) mais je conseillerais d’utiliser du médium à peindre tout fait (prêt à peindre).
• Peintures à l’huile : bleu outremer foncé, bleu céruléum, bleu de cobalt, bleu de prusse, jaune de cadmium, jaune de cadmium-citron, rouge cadmium, laque de garance foncée, rouge vermillon, terre d’ombre brulée, terre de sienne brûlée, ocre jaune, blanc de titane, noir d’ivoire.
• Si besoin pour réaliser des fonds sur place, quelques peintures acryliques comme un rouge vermillon et une terre de sienne brûlée.
• Rubans de masquage tesa (pour isoler les surfaces à peindre)
• 1 couteau à palette
• Des chiffons ou papier essuie-tout (type sopalin)
• White spirit et savon de marseille pour le nettoyage des pinceaux.

Peinture du ciel et paysage « ALLA PRIMA »

Alla prima est un terme italien. Nous dirions en français « au premier coup ». C’est une technique de peinture à l’huile qui permet d’obtenir un résultat final après une seule séance de peinture. Cette technique s’oppose au travail de peinture à l’huile par couches successives et à l’apport de glacis qui demande d’attendre que la couche précédente soit sèche pour appliquer de nouvelles teintes transparentes. Elle est utilisée depuis plusieurs siècles par les peintres notamment pour élaborer leurs ébauches. Ils ou elles préparaient ainsi la composition de leur paysage sur le motif pour ensuite les reprendre à l’atelier en plus grand format. Les impressionnistes utilisaient cette technique qui leur permettait de terminer leur tableau en capturant la lumière naturelle « d’un premier jet ».

C’est une approche directe de la peinture appelée aussi “mouillé sur mouillé” et nous verrons toutes les possibilités du travail des couches humide sur humide pour produire une peinture dynamique et gestuelle dans un temps limité. Une bonne gestuelle dans vos coups de brosse participera à donner du caractère à votre peinture. Des gestes rapides et maîtrisés vous permettront de garder la spontanéité dans votre travail. La technique « alla prima » permet un maximum d’expressivité et vous verrez que cette approche de la peinture à l’huile offre beaucoup de liberté.

La pratique du ciel permettra de travailler les différentes techniques de la peinture à l’huile en prenant compte de ses contraintes tout en construisant un tableau de paysage. Cette méthode permet également de développer son regard et une analyse du motif à peindre. Pour la cohérence globale de l’œuvre et pour donner de la présence à votre tableau, cette technique demande une certaine justesse dans l’approche des formes, de l’équilibre des masses, dans le travail de composition, en ligne, en valeur et en couleur, de la lumière et de l’atmosphère. Nous aborderons les trois couleurs primaires et toutes les nuances possibles du champ chromatique. Le ciel est une pratique idéale pour capturer la lumière et donner l’illusion de profondeur dans un tableau.

Les différentes décisions dans l’utilisation des couleurs, des techniques dans l’application de la peinture et le maniement des pinceaux, médiums et différents outils auront toutes leur importance pour donner de la puissance à votre travail. Vous devrez simplifier les formes, les couleurs (avec une palette réduite) et vous marquerez fortement les contrastes pour faire apparaitre la lumière et apporter du réalisme à votre image.

Le travail se construit d’abord par les grandes masses qui structurent la composition du tableau pour finir sur les détails. Sur ce principe, l’utilisation de gros pinceaux vous éviteront d’aller trop rapidement sur des détails dont vous n’avez pas besoin dans les premières étapes du travail. Vous irez à l’essentiel pour donner de la présence à votre image. À partir d’une composition très simple, la couleur, le travail de la lumière et la profondeur atmosphérique vous ouvriront les portes d’un monde sensible. 

Après avoir dessiné votre sujet, la technique « alla prima » vous permettra de reprendre le dessin et de modeler les formes à l’aide d’une palette limitée. Vous construirez votre palette de couleurs en rapport à la tonalité de la peinture et la lumière que vous voulez obtenir.

Vous aurez besoin de multiples photographies de paysage qui vous serviront pour construire différentes compositions durant ces trois jours. La composition et la lumière devront être pensées avec soin pour trouver une ambiance et une atmosphère particulière. Cherchez dans vos propres photographies mais vous pouvez également apporter d’autres visuels ou livres de paysages qui vous inspirent et qui vous serviront de point de départ.

Nous ne copierons pas les images mais nous interpréterons les différentes compositions de formes ou l’inspiration d’une lumière pour en traduire librement les caractéristiques et en sortir une œuvre personnelle. Nous analyserons ensemble les visuels qui ont attirés votre attention pour choisir les plus pertinents. L’enseignant apportera également des images à vous proposer au début du stage.

Préparez des supports de petits formats sur papier toilé par exemple. Je conseille le format carré, sur lequel j’apprécie de construire mes compositions pour ce type de démarche, mais ne dépassez pas le 20×20 cm. Avec moins de surface à peindre, vous pourrez vous familiariser plus rapidement avec la technique et aussi avoir une approche beaucoup plus directe dans l’élaboration de votre composition. Peindre sur des petites surfaces vous permettra de trouver l’équilibre et l’harmonie de l’œuvre en concentrant votre énergie afin d’aller rapidement à l’essentiel. Le format carré permet de vous libérer des formats classiques, figures, portraits et marines et de composer librement en partant d’un espace dépourvu de ces codes.

Les principes de la peinture à l’huile sont de peindre, gras sur maigre, clair sur foncé et opaque sur transparent. Travailler sur le fond blanc de votre support est possible mais je conseille une couleur de fond pour avoir une teinte de référence sur laquelle vous pourrez vous appuyer pour contrôler la justesse de vos couleurs et de vos valeurs. La couleur de fond étant un élément de votre composition, cela évite également d’avoir à remplir toute la surface du tableau. Par exemple des fonds rouges-orangés (saturés et lumineux) que vous aurez préparés à l’avance sur différents supports apporteront instantanément une présence forte à la toile. L’avantage de cette couleur permet de réchauffer toutes les teintes que vous poserez dessus et sa valeur moyenne permet d’ajouter facilement des teintes de valeurs sombres et claires. Ce fond peut être aussi très utile pour rehausser les verts par contraste des complémentaires. Un gris chaud de valeur moyenne convient également.

Nous verrons ensemble la théorie du cercle chromatique de johannes itten et comment travailler une gamme de gris coloré à l’aide des couleurs complémentaires ou du mélange de couleurs chaudes et de couleurs froides avec le blanc.

Nous étudierons les 3 principales propriétés d’une couleur : sa teinte, sa chromaticité (son intensité) et sa valeur. Étude et compréhension du nuancier et d’une peinture avec palette limitée (palette zorn). Je vous montrerai des exemples concrets.

Déroulement 

Jour 1

Matin : après avoir fait les présentations, j’explique comment analyser une image afin d’en saisir les éléments qui vous permettront de dégager une composition forte et équilibrée. Nous regarderons ensemble quels sujets vous semblent intéressants à peindre et je ferai rapidement un résumé des différentes étapes à franchir pour réaliser une peinture en utilisant l’approche directe avec la technique alla prima (ou mouillé sur mouillé).

Vous commencerez par réaliser des croquis d’étude. À ce stade, vous devez chercher à structurer vos compositions avec des lignes de forces. Vous déciderez également de la lumière dans votre composition qui déterminera l’atmosphère et l’ambiance de votre image. Ensuite, vous démarrerez la peinture alla prima sur une composition de votre choix. 

Après-midi : sans aller dans le détail, vous continuez à construire votre peinture jusqu’à trouver un équilibre formel dans votre composition entre lignes, masses, valeurs et couleur et vous pourrez déjà voir apparaitre un paysage dans lequel vous projeter grâce la profondeur de l’espace ainsi crée et le réalisme apporté par la lumière.

Jour 2

De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires. Nous verrons les différentes possibilités de compositions pour peindre alla prima avec de nouveaux cadrages et nouvelles directions.

Jour 3

De nouveaux dessins seront sans doute nécessaires.

Nous pourrons chercher encore de nouvelles possibilités pour apporter du caractère, de la force et de la présence dans vos tableaux.

Soir : à l’issu du stage, un apéro pourra s’organiser.

Nous ferons un bilan pour que chacun puisse donner ses impressions sur le travail accompli durant le stage et ainsi faire une analyse des difficultés rencontrées et de ses réussites personnelles.

Horaires : 10h-13h / 14h-17h
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 12 ans
Participant-e-s maximum : 12
Adele-Soubranne

Matériel à apporter :

• Votre propre matériel photo (téléphone, caméra, appareil photo…)
• Ciseaux
• colle
• crayons de couleurs
• feutres
• trousse d’écolier

S’initier au montage-photo

Et si nous créions une exposition collective à partir de montages photographiques que vous auriez réalisés ?
Tout au long de ces 3 jours, je vous invite à : 
Analyser les images et développer votre esprit critique pour pouvoir déceler le vrai du faux dans l’univers visuel qui nous entoure.
Réaliser vos propres montages photos numériques et manuels.
Réaliser un projet commun au groupe : une exposition collective sur le thème que vous aurez choisi.

Déroulement 

Jour 1

Discussions imagées autour des images trompeuses (de méliès à l’ia). Prise en main de leur (ou pas) matériel photographique. Notions théoriques et pratique. Réalisations de photos pour leurs montages. Définir une thématique, fil rouge de leurs travaux et de l’expo à venir

Jour 2

Réaliser un montage photo manuellement (découpage-collage). Réaliser un montage photo numériquement (canva).

Jour 3

Terminer sa création. Préparer une exposition collective (imprimer son œuvre, l’accrocher, réaliser un encart)

Horaires : 9h30-12h / 13h-16h30
Lieu : Site de Perrache
Publics : à partir de 16 ans
Participant-e-s maximum : 8
Instagram de Ghazale

Matériel à apporter :

• Fils d.m.c , avec les couleurs de votre choix
• Aiguilles

Atelier de broderie et dessin sur tissus

Cet atelier vous offre une expérience unique où vous pourrez apprendre à dessiner des motifs simples sur du tissu, puis à les broder avec différentes techniques. C’est une occasion parfaite pour allier la créativité du dessin à l’artisanat de la broderie, le tout sur un support textile. Vous repartirez avec vos créations originales, ce qui rendra cette expérience encore plus gratifiante.

Déroulement 

Jour 1

Méthode de transfert de motifs
Enfiler le fil et préparer les bobines
Comment placer le tissu dans l’atelier
Enseignement des différents points de broderie

A la fin de la journée, vous pourrez commencer à broder le motif choisi que vous aurez transféré.

Jour 2

Vous complèterez votre broderie pendant la journée. Si vous avez terminé votre première création, nous commencerons par en faire une autre, mais cette fois-ci en nous concentrant davantage sur le dessin et en choisissant quelques parties à broder.

Jour 3

Finition de la deuxième œuvre, repassage et préparation pour une présentation finale sur tambour. Ensuite, nous pourrons présenter les résultats de ces trois journées et effectuer un bilan avec un goûter ensemble.